En 2015, One Punch Man a fait une entrée fracassante sur le devant de la scène avec une première saison qui semblait impossible à diffuser à la télévision. Le succès a été tel que même des célébrités comme Bill Burr en ont fait l’éloge. Dix ans plus tard, la saison 3 a choqué les téléspectateurs pour une raison très différente. Des scènes à peine animées, des coupes qui semblaient gênantes et un épisode qui a atteint le fond en devenant l’anime le moins bien noté de tout le catalogue IMDb. La réaction à la saison 3 a dégénéré si rapidement que l’équipe a publiquement supplié les fans d’arrêter de leur envoyer des menaces de mort.
Alors, comment une série aussi réussie a-t-elle pu s’effondrer à ce point ? Loin d’être le résultat de la paresse des animateurs, cela révèle un problème plus profond et toxique dont les professionnels du secteur et les équipes de production de One Punch Man nous mettent en garde depuis des années. Voici l’histoire de l’implosion de la saison 3 de One Punch Man.
Afin de comprendre les choix qui ont transformé cette série en désastre anime de la décennie, je vais devoir résumer le sujet très complexe de l’adaptation médiatique en environ 200 mots. Alors, je ne sais pas, accrochez-vous bien. L’idée fausse fondamentale avec laquelle beaucoup de gens ont du mal est qu’une adaptation fidèle est automatiquement une bonne adaptation. Je veux dire, la fidélité est importante, mais ce n’est pas le facteur décisif. Le véritable test consiste à déterminer si l’anime comprend comment le manga raconte son histoire à travers le rythme, l’accentuation et le langage visuel. Il s’agit d’extraire ces qualités uniques de la source et de les reconstruire à l’aide des outils disponibles pour l’animation. Car l’animation n’est pas vraiment une amélioration, mais plutôt un média différent avec ses propres forces et limites. Et ces limites ont beaucoup plus d’importance que la plupart des gens ne le pensent.
La plupart d’entre vous connaissent One Punch Man grâce aux superbes illustrations de Yusuke Murata. Des dessins dramatiques et raffinés, dotés d’une capacité extraordinaire à suggérer le mouvement dans des plans statiques. Mais voici un aspect qui est souvent négligé. Le manga de Murata est lui-même une adaptation d’une bande dessinée en ligne réalisée par un artiste connu simplement sous le nom de ONE. Or, en raison du style artistique rudimentaire de ONE, celui-ci est souvent considéré comme un mauvais artiste porté par la maîtrise technique de Murata. Mais la vérité est rarement aussi simple. Il y a une raison pour laquelle tant d’images emblématiques de One Punch Man proviennent des planches brutes de ONE. Malgré la rudesse de ses dessins, ONE possède un instinct puissant pour la composition des plans, l’espacement négatif et l’enchaînement des séquences d’action, qui trouvent un équilibre parfait entre coolitude et absurdité bien avant que Murata ne leur ajoute sa touche finale.
C’est pourquoi, lorsque Murata a approché ONE pour la première fois en tant que fan de sa bande dessinée en ligne, il était important pour lui d’apporter plus que ses seules compétences techniques approfondies. Il devait démontrer sa compréhension de ce qui faisait le succès de One Punch Man. Et il l’a fait. En ancrant ses compétences techniques dans le langage compositionnel hérité de ONE, Murata a donné naissance à un nouveau One Punch Man. Ni Holy One ni Murata, mais une synthèse des deux. Une version où le spectacle immaculé et l’absurdité pince-sans-rire coexistent et se rehaussent mutuellement de manière transparente. Une adaptation époustouflante née de la collaboration, ce qui est tout à fait approprié puisque la collaboration a été l’ingrédient central qui a donné naissance à la plus grande adaptation animée que j’ai jamais vue. La première saison de One Punch Man.
Comment la saison 1 gère l’adaptation
La manière dont la saison 1 traite ce moment avec le Deep Sea King nous dit tout ce que nous devons savoir sur l’adaptation. Lorsque vous regardez le panneau original de ONE suivi du redessin de Murata, le chemin vers l’anime devient évident. ONE établit à la fois la comédie et le drame grâce à une composition simple mais extrêmement efficace. Le cadrage, l’espace négatif, le timing des rythmes, tout cela donne le ton ici. Murata s’appuie sur cette base pour insuffler du mouvement à ces dessins. Il espace les actions de manière plus délibérée, accentuant les poses et créant un sentiment d’impact que la bande dessinée en ligne ne peut que suggérer. L’anime reprend ensuite les deux versions et les amplifie. La réaction de Saitama, avec sa tête qui bouge dans tous les sens, est l’ajout le plus explicite, mais les choix plus larges et plus subtils ont en réalité plus d’importance.
En utilisant le son pour créer l’atmosphère, la pluie tombe tout au long de la séquence, donnant à la scène une ambiance lourde, presque oppressante. Lorsque le roi des profondeurs frappe enfin, la force de ce coup de poing crée une brève onde de choc qui dissipe la pluie et laisse un silence autour du regard de Saitama. Et cette pause diégétique intensifie le moment d’une manière que l’imprimé ne peut reproduire. C’est un exemple parfait de ce que la saison 1 fait à plusieurs reprises. Elle reprend les idées établies par ONE, affinées par Murata, et les pousse à des niveaux spectaculaires sans perdre de vue la vision originale. Les grandes batailles ont gagné en ampleur et en dynamisme. Les séquences qui suggéraient le mouvement sur la page se sont transformées en mouvements complets qui semblaient distincts selon la personne qui les animait.
Certaines scènes étaient nettes et stylisées, d’autres plus brutes et énergiques, et cette variété a permis à de nombreux spectateurs de découvrir que les animateurs laissent leur empreinte personnelle. Cette diversité est le fruit d’une équipe constituée au bon moment. Le producteur d’animation de Madhouse, Yuichiro Fukushi, avait la réputation d’attirer des artistes talentueux et de créer un environnement propice à leur épanouissement. Shingo Natsume, encore au début de sa carrière, avait l’ambition et la lucidité nécessaires pour diriger un projet de cette envergure. Le concepteur des personnages, Chikashi Kubota, ainsi que des artistes tels que Yoshi Kameda et Norifumi Kugai, étaient sur le point de devenir des figures créatives majeures à part entière. Leurs compétences, associées à une équipe de soutien fiable et à des animateurs invités bien choisis, ont permis à la série d’atteindre un niveau de cohérence qui, même au moment où j’écris ces lignes, me semble presque irréel pour une production hebdomadaire. Malheureusement, cela s’est avéré trop difficile à reproduire.
La malédiction du succès
Le succès fulgurant de la toute première saison a créé une étrange malédiction. En effet, lorsqu’une série établit la norme d’excellence dans son domaine, toutes les suites sont jugées à l’aune de celle-ci. Or, la saison 2 n’a tout simplement pas pu reproduire les conditions qui avaient rendu possible la première saison. La vérité, c’est que l’équipe d’origine n’était plus là. Mais ce n’était certainement pas par choix. Vous voyez, la triste réalité est que même si les réalisateurs veulent revenir, le système de production d’animation rend souvent cela très difficile. Lorsque tout cela s’est produit en 2019, Natsume a en fait déclaré qu’il aurait aimé s’occuper à nouveau de One Punch Man. Ce n’est donc pas comme si la porte n’était pas ouverte. Le problème est que les studios réputés sont généralement réservés des années à l’avance. Les comités de production dictent le calendrier des suites en fonction de facteurs tels que les fenêtres de commercialisation, et pas seulement de la disponibilité des créateurs. Si une suite n’est pas planifiée suffisamment tôt, vous vous retrouvez alors exclu du calendrier nécessaire pour réunir l’équipe d’origine.
À ce stade, Natsume était passé à d’autres projets tels que Boogie Pop et Sunny Boy, et l’équipe d’animation d’origine s’était dispersée dans toute l’industrie. Ainsi, Madhouse étant occupé ou peu disposé à accepter les conditions de production de la suite, JC Staff a pris le relais et s’est lancé directement dans la saison 2. Il n’y avait aucune possibilité que celle-ci égale l’ampleur ou le raffinement de la saison 1. Pourtant, elle a réussi à offrir une adaptation stable, réfléchie et bien meilleure que sa réputation ne le laissait supposer.
L’approche de l’adaptation de la saison 2
L’une des parties les plus intéressantes de la saison 2 adapte un contenu qui ne provient pas de ONE, mais des embellissements apportés par Murata au manga original. La rencontre entre Genos et Saitama dans le magasin de perruques en est un bon exemple. La tendance de Murata à décomposer les actions en cases instantanées donne à ses pages un sentiment naturel de mouvement. Elles ressemblent presque à des croquis d’animation. Et même si JC Staff n’avait pas les ressources nécessaires pour égaler le niveau fixé par Madhouse pour la saison 2, cela ne l’a pas empêché de faire des choix intelligents. En s’appuyant sur la grossièreté et l’absurdité de ce moment, l’anime a trouvé un style artistique comique qui convenait à la scène et la mettait en valeur. À mon avis, la conversation avec le vendeur se poursuit en arrière-plan tandis que Genos sort du cadre, et la conception sonore soutient également cela, alors qu’il perd connaissance. C’est sobre, mais cela comprend clairement le rythme.
Et c’est ce que fait une adaptation compétente. Le nouveau réalisateur était Chikara Sakurai, un animateur doté de solides bases, mais qui n’avait pas la capacité de réimaginer les décors de la même manière que Natsume, surtout dans des conditions de production aussi difficiles. Cependant, malgré ces contraintes, l’excellence individuelle a tout de même réussi à s’imposer. Kiniro AI est devenu synonyme de la meilleure animation de la série, dessinant des séquences pour chaque épisode. Et bien que le résultat soit superbe, avec des ombres qui rappellent le travail de Murata, il est très attentif au nombre de dessins qu’il utilise. Cette approche économique tient compte de la production dans son ensemble et a permis un nombre incroyable de contributions sans alourdir la charge de travail des différents départements de finition. Et il n’était pas le seul à agir ainsi. Yuji Takagi et Yuki Suzuki ont également fourni des plans d’action fiables, aidant la série à trouver son propre rythme même lorsque la production était particulièrement tendue.
Il faut toutefois reconnaître que tout n’était pas parfait. Il y a eu des erreurs créatives manifestes, comme les textures numériques lourdes sur les personnages et les arrière-plans, mais les défauts de certains combats, qui semblaient raides ou sous-développés, étaient simplement le signe qu’une équipe avait dû donner la priorité à la finition de la série plutôt qu’à sa réinvention. La saison 2 a suivi de près le manga, car elle n’avait ni le temps ni les ressources nécessaires pour le développer davantage. Et pourtant, avec le temps, et surtout par rapport à ce qui a suivi, de nombreux fans reconnaissent aujourd’hui tout ce que cette équipe a réussi à accomplir. Il s’agissait d’une production ordinaire, rehaussée par les efforts d’artistes individuels qui avaient compris la mission qui leur était confiée. La saison 1 avait la liberté de poursuivre ses ambitions. La saison 2 a essayé de tenir le cap avec ce qu’elle avait. Six ans la séparaient de la suite, mais cet écart n’a pas protégé la saison 3 de ce qui allait suivre.
Le cauchemar de la production de la saison 3
Une chose que la saison 3 de One Punch Man montre clairement, c’est à quelle vitesse les choses peuvent s’effondrer lorsque les fondations ne sont pas correctement protégées. Si le processus de production n’est pas stable, même les meilleurs talents du monde ne peuvent empêcher les fissures de s’étendre. Et cette idée s’applique assez bien à la vie réelle et à vos habitudes de navigation, en particulier lorsque vous voyagez.
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6 ans. Le comité de production a disposé de 6 ans entre la saison 2 et la saison 3. 6 ans pour planifier, préparer et tirer les leçons des erreurs commises. Il est donc naturel que l’animation de la série n’ait commencé que quelques mois après le début de l’année 2025. Oui, la préproduction est extrêmement importante. C’est l’étape où le design, les guides de style et les décisions structurelles sont affinés. Mais dans des studios aussi importants que JC Staff, les longues périodes de silence entre les projets sont rarement synonymes de développement ciblé. Le plus souvent, cela signifie que le personnel est occupé par la série dont la date de diffusion est la plus proche. Même lorsqu’un projet est en cours de production, cela ne signifie pas que la plupart des équipes y travaillent activement.
Il existe en fait plusieurs façons de déterminer quand la production d’une série démarre vraiment, mais l’une des plus fiables consiste à examiner les personnes qui composent les bureaux de production. Contrairement aux animateurs ou aux réalisateurs, ces rôles ne sont généralement pas répartis entre plusieurs titres. La complexité même du travail exige qu’ils soient attachés à une seule série à un moment donné, et leur historique de crédits nous donne donc une chronologie assez claire.
Dans le cas de la saison 3, cette chronologie est à la fois révélatrice et incroyablement déprimante. Awi Teriyama, le directeur de production de la saison 3, a passé la fin de l’année 2024 à terminer 2.5 Dimensional Seduction et The Do-Over Damsel Conquers the Dragon Emperor, puis est passé directement à Can a Boy-Girl Friendship Survive pour le printemps 2025. Et oui, bon sang, mais qu’est-ce que c’est que ces noms ? Mais même le directeur de production de l’épisode 1, Hajime Nagai, n’a été transféré chez JC Staff qu’en 2024 et a immédiatement été occupé par Mega Lumiere jusqu’à la fin de l’année.
Et cette même histoire se répète tout au long du projet. Tous les directeurs de production et assistants de la saison 3 étaient encore attachés à d’autres séries jusqu’à la fin de l’année 2024. Même en tenant compte de ces problèmes de production, il apparaît clairement que la troisième saison de One Punch Man n’est entrée en phase d’animation qu’au début de l’année 2025.
Ajoutez à cela un réalisateur qui semble avoir remplacé le précédent à la fin du projet, et il est clair qu’un certain travail de refonte a été nécessaire pour rendre ce calendrier fou réalisable. Et le mot « réalisable » est ici très fort, croyez-moi. Bien sûr, les conséquences de cette situation ont été immédiatement évidentes pour tous les téléspectateurs. La saison 3 de One Punch Man est rigide, et ce qu’elle a sacrifié en termes de mouvement n’a pas vraiment été compensé par le raffinement, tout simplement parce qu’il est impossible d’affiner les dessins dans ces conditions.
Les raccourcis qu’ils ont dû prendre, ce qui est compréhensible, sont devenus si évidents et si maladroits que cela n’était plus seulement un problème visuel. Cela a eu un impact sur la capacité de nombreux téléspectateurs à apprécier les aventures des mêmes personnages qu’ils aimaient auparavant, de la même manière qu’une prose médiocre peut vous dégoûter des idées que vous aimez.
L’approche conservatrice
Il y a une caractéristique clé dans le désordre de la production de la saison 3 de One Punch Man qui explique pourquoi tant de téléspectateurs ont réagi vivement contre elle. Même si les séries animées pour la télévision sont souvent confrontées à des problèmes, la popularité de la série et l’ampleur des problèmes sont bien sûr importantes, mais il y a une chose que cette série ne partage pas avec toutes les productions chaotiques. Elle est conservatrice de par sa conception. Cela ne signifie pas que l’équipe ait décidé de créer une mauvaise série, mais plutôt qu’elle savait dès le départ à quel point la situation était difficile. Elle a donc toujours été conçue pour survivre contre toute attente.
Le réalisateur de la série, Shintaro Nagai, a reçu une haine profondément injuste pour avoir fait un travail que peu de gens oseraient même tenter. Essayer de garantir qu’une série très attendue soit terminée dans des délais extrêmement serrés tout en restant quelque peu fidèle à la série qui passionne tant les gens est une entreprise insensée.
Même en matière d’externalisation, l’équipe a dû faire appel à des entreprises spécialisées dans la livraison rapide avant tout. Aujourd’hui, certaines des meilleures séries animées télévisées de ces dernières années ont largement recours à la sous-traitance, confiant des épisodes spécifiques à des équipes compétentes et adaptées afin de permettre à l’équipe principale de travailler à son rythme. Dans un contexte de crise, la saison 3 de One Punch Man a dû se tourner vers des entreprises de soutien moins réputées, dont le principe est de livrer rapidement. Cette approche visant à limiter les dégâts est apparue dès le premier épisode de la saison 3, à commencer par le storyboard lui-même.
Vous voyez, lorsque vous adaptez une œuvre originale comportant des éléments visuels, il est tout à fait courant de s’appuyer sur son imagerie. Et comme nous l’avons vu, One Punch Man n’est pas étranger à cela, étant donné que la deuxième saison était déjà assez proche du déroulement du manga.
Comme je l’ai dit au début, même l’interprétation de Murata doit plus à la composition des images de ONE qu’on ne le pense. Ce qui distingue la saison 3 de One Punch Man à cet égard, c’est qu’elle peut durer plusieurs minutes sans introduire un seul nouveau plan ou une seule nouvelle idée qui ne soit déjà présent dans les bandes dessinées de Murata. Or, l’animation a généralement besoin de nouveaux plans pour paraître naturelle aux yeux du spectateur. En effet, elle est consommée comme un flux continu plutôt que comme des cases séparées qui vous encouragent à imaginer ce qui se trouve entre elles lorsque vous lisez une bande dessinée. Et pourtant, il n’y a pratiquement rien de tout cela dans cette saison.
Loin d’élargir la portée pour correspondre à ce que les gens avaient imaginé en lisant le manga, ils ont dû tout simplifier afin de pouvoir terminer à temps. Si vous êtes un fan inconditionnel, vous avez sans doute remarqué que les angles accrocheurs des originaux ont été systématiquement atténués afin de faciliter le dessin. Si cela peut convenir pour une adaptation solide, s’inspirant parfois d’une case de manga, une adaptation qui ne propose que des versions édulcorées des dessins originaux semble beaucoup trop dépouillée. En tant que seul storyboarder à ce jour, Nagai a conçu toute la saison de cette manière afin que cela soit réalisable pour le reste de l’équipe malgré les circonstances très défavorables. Cette approche donne lieu à une série qui est très reconnaissable comme étant One Punch Man puisqu’elle suit de très près l’original, mais qui est si maladroite dans son exécution que n’importe qui peut remarquer ses problèmes, même s’il n’est pas familier avec les pratiques d’animation.
Encore une fois, il ne s’agit pas ici de condamner le réalisateur ou les artistes qui ont travaillé sur la série. Ils se trouvaient dans une situation sans issue, compte tenu des cartes qui leur avaient été distribuées. Ils ont opté pour une survie à long terme dans une situation où une ambition plus grande aurait conduit à un échec cuisant dès le début de la diffusion. Donc, si vous voulez chercher des coupables, vous devriez vous tourner vers les entreprises qui prennent les décisions au sein du comité.
La situation générale dans l’industrie de l’animation
La dernière question que beaucoup de gens se posent est : comment cela a-t-il pu arriver à One Punch Man ? Il est important de comprendre que, malgré les difficultés rencontrées lors de la production, ce cas n’est en aucun cas unique. Certes, nous avons évoqué son storyboard conservateur comme une caractéristique distinctive, mais la manière dont ces problèmes se manifestent ne change rien au fait que de nombreuses séries sont actuellement tout aussi ratées, voire pires.
Si la saison 2 de One Punch Man était ordinaire, la saison 3 est tombée dans la zone médiocre, ce qui signifie qu’elle se situe à peu près au même niveau qu’au moins une douzaine d’autres séries dans une saison donnée. Si vous ne regardez que des anime populaires et très médiatisés, vous ne savez peut-être pas à quel point ces problèmes sont courants de nos jours.
Nous sommes dans une période de polarisation de l’industrie de l’anime, où les titres les plus populaires visent de plus en plus haut pour répondre aux attentes des utilisateurs des réseaux sociaux. Tandis que de nombreux autres titres s’enfoncent de plus en plus dans la boue. Cela ne veut pas dire que les titres les plus importants ne souffrent pas de problèmes de production. C’est tout à fait le cas. Certains d’entre eux ont d’ailleurs rendu ces problèmes publics ces dernières années. Mais ce que vous pouvez faire avec de tels projets, c’est essentiellement faire appel à des artistes de haut niveau qui peuvent au moins donner l’impression d’une animation de grande qualité. Cependant, comme il n’y a qu’un nombre limité de personnes capables de faire la différence dans l’industrie, ce n’est pas exactement une solution à laquelle beaucoup ont accès.
Une autre chose à laquelle vous pensez peut-être en ce moment est qu’une série comme One Punch Man est suffisamment importante pour bénéficier de ce statut spécial, n’est-ce pas ? Malheureusement, même la popularité ne garantit pas que vous disposerez des outils nécessaires pour créer un anime de grande envergure comme vous le souhaitez.
En 2023, My Happy Marriage a complètement écrasé les ventes de tous les romans légers et livres liés à l’anime. Il a réussi cet exploit tout en donnant naissance au plus grand film japonais en prise de vues réelles de l’année, ainsi qu’à des adaptations réussies en manga et au théâtre. Et donc, après avoir connu une saison d’anime solide, la production de sa suite a été tellement précipitée qu’elle a perdu la qualité qu’elle avait autrefois, ce qui a finalement conduit à l’arrêt complet de la diffusion, au report des épisodes restants et à la publication d’excuses officielles. Je suis sérieux. Cela s’est réellement produit.
L’une des rares séries à avoir surpassé la popularité de My Happy Marriage à son apogée est Apothecary Diaries, qui continue d’être un énorme succès et qui attend désormais un film original et une troisième saison. Et pourtant, après une première saison très soigneusement réalisée, cette précipitation à sortir des suites dans des délais impitoyables a également beaucoup nui à la production. La série est le fruit d’une collaboration entre les équipes de deux studios différents, mais ces derniers ont tous deux créé d’autres séries pendant la courte période entre la saison 1 et la saison 2 d’Apothecary Diaries. En conséquence, elles ont dû revoir à la baisse leurs standards de qualité pour la deuxième saison d’Apothecary Diaries, et n’ont réussi à éviter l’annulation pure et simple de la diffusion qu’en engageant un studio discret mais très fiable pour produire un tiers des épisodes de la deuxième saison. Sans cette solution de secours, les problèmes auraient facilement pu atteindre le niveau de la saison 3 de One Punch Man.
Maintenant, si vous êtes fan de One Punch Man, tout cela ne veut pas dire que vous ne devez pas vous sentir contrarié. Mais ce qu’il faut comprendre, c’est à quel point ce genre de problèmes est répandu et omniprésent, et d’où ils proviennent réellement. Détester les réalisateurs et les animateurs qui ont été condamnés à l’échec est une forme de violence gratuite et totalement inutile.
Il est difficile de changer les choses à titre individuel, mais si nous devons diriger notre colère vers quelqu’un, ce devrait être vers les producteurs de haut niveau qui imposent des délais de sortie très courts et vers la structure malsaine de l’industrie dans son ensemble. La prochaine fois que vous verrez de véritables membres du personnel supplier les fans de cesser de leur envoyer des menaces de mort, rappelez-vous que ce ne sont pas eux qui ont détruit One Punch Man. Ils ont été les seuls à essayer de maintenir le cap alors que l’industrie s’obstinait à tout détruire. Merci d’avoir lu.
Questions fréquentes
Pourquoi la qualité d’animation de la saison 3 de One Punch Man était-elle si mauvaise ?
La mauvaise qualité d’animation de la saison 3 est le résultat d’une production extrêmement précipitée qui n’a commencé qu’en 2025, alors que six ans s’étaient écoulés entre les saisons. L’équipe de production manquait de personnel et a dû prendre des raccourcis, notamment en créant un storyboard conservateur qui suivait de près le manga sans ajouter de nouveaux plans ou d’idées nécessaires à un flux d’animation naturel.
Pourquoi l’équipe originale de la saison 1 n’a-t-elle pas pu revenir pour les saisons suivantes ?
L’équipe originale de la saison 1 n’a pas pu revenir en raison du fonctionnement du système de production des anime. Les studios réputés sont réservés des années à l’avance, et les comités de production dictent le calendrier des suites en fonction des fenêtres de commercialisation plutôt que de la disponibilité des créateurs. Au moment où la saison 2 a été planifiée, l’équipe originale était déjà passée à d’autres projets.
La situation de production de la saison 3 de One Punch Man est-elle unique dans l’industrie de l’anime ?
Non, les problèmes de production de la saison 3 de One Punch Man ne sont pas uniques. De nombreuses autres séries animées populaires ont été confrontées à des problèmes similaires, notamment My Happy Marriage et Apothecary Diaries. L’industrie de l’animation est actuellement polarisée, les titres phares visant toujours plus haut tandis que beaucoup d’autres sont confrontés à des calendriers de production serrés et à des ressources limitées.
Qui est responsable des problèmes de qualité dans la saison 3 de One Punch Man ?
La responsabilité incombe au comité de production et à la structure de l’industrie plutôt qu’aux animateurs et réalisateurs individuels. Le personnel travaillant sur la saison 3 se trouvait dans une situation sans issue et devait donner la priorité à la simple finalisation de la série dans des délais extrêmement serrés. La colère devrait être dirigée vers les producteurs de haut niveau qui imposent des délais de sortie serrés plutôt que vers les artistes eux-mêmes.
