Quelle est la meilleure série télévisée oubliée de tout le monde ?

Ces séries sous-estimées par le grand public ont marqué l’histoire de la télévision par leur qualité narrative !

The Shield

Beaucoup considèrent The Wire comme le summum des séries policières sombres et l’une des premières à avoir été sérialisée, ce qui signifie que les épisodes n’étaient pas des histoires indépendantes, mais s’enchaînaient les uns après les autres et que les saisons formaient un tout. D’autres séries originales n’avaient pas vraiment d’intrigues aussi liées entre elles.

Mais The Shield, diffusée à la même période sur FX plutôt que sur HBO, n’a pas bénéficié du même niveau d’attention à l’époque et, aujourd’hui encore, plus de dix ans plus tard, elle est beaucoup moins mentionnée par la plupart des fans de télévision. Je ne sais pas pourquoi, si ce n’est peut-être parce qu’il s’agissait d’une série FX à une époque où cette chaîne n’était pas très populaire. Sons of Anarchy a vraiment fait connaître FX, et cette série a été créée par l’un des meilleurs scénaristes de The Shield.

Quand on me demande quelle série a le meilleur épisode pilote ou le meilleur épisode final, je réponds The Shield dans les deux cas. Cela en dit long sur la qualité de la série dans son ensemble.

Oz

Oz est injustement négligé dans le panthéon des séries télévisées, ce qui est vraiment dommage, non seulement parce que cette série est clairement l’ancêtre d’une multitude de classiques modernes (sans Oz, on peut douter que Les Sopranos auraient vu le jour), mais aussi parce qu’il s’agit d’une série impeccablement jouée, infiniment captivante, riche en émotions, qui exige (et mérite) reconnaissance et respect.

De nos jours, nous sommes habitués à la noirceur qui imprègne nos séries préférées et les plus regardées ; nous sommes désensibilisés à la violence qui sévit de Westeros à Baltimore, en passant par Fargo et Albuquerque. Les anti-héros sont presque devenus la norme, à tel point que le retour des super-héros au menton caréné et à la moralité irréprochable de l’âge d’or de la télévision est peut-être la seule voie de subversion qui reste ouverte aux créateurs de séries d’aujourd’hui.

On oublie facilement que lorsque Oz, la première incursion puissante de HBO dans le domaine des séries originales d’une heure, a fait irruption dans la conscience collective en 1997, il n’y avait rien de tel à la télévision. Certainement rien qui puisse rivaliser avec sa noirceur, son réalisme ou ses envolées narratives fantaisistes. La lignée de la révolution télévisuelle qui a débuté dans les années 1990 remonte sans doute à bien avant Oz, mais Oz a été la première série à prendre des risques aussi énormes et audacieux avec ses personnages et son récit.

Les Sopranos, The Shield et Breaking Bad n’ont pas été les premières séries à mettre en scène des protagonistes sympathiques et intéressants, mais antipathiques et moralement répréhensibles ; Game Of Thrones n’a pas été la première série à présenter un casting aussi vaste et en constante expansion, dont n’importe quel personnage pouvait subir n’importe quelle mort absurde à tout moment ; The Wire n’a pas été la première série à explorer un système froid, corrompu et impitoyable qui défavorise dès la naissance ses membres les plus malchanceux, un système figé dans un cycle sans fin de naissance, de mort, de violence et de renaissance. Oz a été la première série à le faire, en frappant fort et en ne faisant pas de quartier.

Lorsque Tom Fontana, architecte et showrunner de la série, a créé Oz de toutes pièces, il a pris le manuel des séries télévisées et l’a jeté aux orties. Il l’a fait avec le soutien total et la bénédiction des dirigeants de HBO, qui ont permis à la série de se dérouler et d’évoluer sans presque aucune ingérence : le résultat final est courageux, magnifique et brutal.

Oz raconte la vie à l’intérieur de « Emerald City », une aile expérimentale de la prison d’État d’Oswald. Alors que le reste de la prison est dirigée par Leo Glynn (Ernie Hudson, après Ghostbusters), un directeur cynique, pragmatique et bureaucratique, la prison dans la prison qu’est Em City est présidée par Tim McManus (Terry Kinney), un homme qui veut changer pour le mieux non seulement la vie des prisonniers dont il a la charge, mais aussi le monde qui les a rendus ainsi.

La croyance de McManus dans le pouvoir réparateur de l’éducation, sa soif de justice sociale, l’importance qu’il accorde à la réinsertion plutôt qu’à la punition et sa philosophie humaniste lui valent souvent la colère (et l’indifférence) du directeur, des gardiens, du gouverneur de l’État et du grand public américain, mais l’opposition vient aussi de l’intérieur, des détenus eux-mêmes, qui voient en McManus soit un idéaliste naïf et désespéré (voire dangereux), soit un arrogant condescendant qui fait tout autant partie du système qui les opprime que des gens comme le gouverneur, même si McManus est trop aveuglé par son orgueil pour s’en rendre compte.

Les détenus s’opposent les uns aux autres, considérant toute tentative de leurs pairs pour échapper au système, ou tout signe de changement ou d’amélioration, comme une trahison d’un code sacré qui oppose « eux » et « nous ». Lorsque le jeune gangster Kenny Wangler (JD Williams) apprend à lire et s’engage dans un parcours d’amélioration personnelle grâce à l’éducation, son mentor malveillant, Simon Adebisi (Adewale Akinnuoye-Agbaje), un meurtrier et trafiquant de drogue nigérian à moitié fou, se donne pour mission d’éteindre ces premières lueurs d’espoir et de progrès. Adebisi se moque de lui, le brime, le menace, le tente avec de la drogue et utilise même le premier livre de Kenny pour cacher de la drogue aux gardiens. Adebisi réduit très rapidement les options du jeune homme à une seule : une vie gâchée faite de fanfaronnades, d’entropie, de drogue et de violence.

Tous les meurtres et le chaos de Oz sont reliés entre eux et résumés par le narrateur de la série, Augustus Hill (Harold Perrineau), un détenu d’Em City, que l’on apprend condamné à passer sa vie dans un fauteuil roulant (emprisonné à deux reprises) à la suite d’une balle tirée par un policier et d’une chute depuis un toit. Mais avant de trop compatir au sort de Hill, rappelons qu’avant son accident, il était en fuite et avait trucidé un policier avec son arme.

Malgré ses origines troubles, Hill est sans aucun doute l’un des personnages les plus sympathiques de la série, un homme intelligent et éloquent, suffisamment malin pour savoir qui et quoi l’ont rendu tel qu’il est. Sa quasi-invisibilité dans la prison (en partie par choix, en partie à cause de son handicap) fait également de lui le narrateur idéal. Hill attend, observe et écoute tandis que se déroule l’histoire des démunis et des sans-abri dans les couloirs sacrés d’Oz, relatant l’amour, la peur, la haine, la douleur, la joie et la mort qui les unissent tous. Ses remarques ironiques, ses diatribes, ses récitations, ses accès de rage, ses réflexions philosophiques sans détours et ses morceaux de sagesse populaire éloquents et cinglants ajoutent une gravité et une intensité à la série qui lui donnent parfois des airs de production théâtrale de la Royal Shakespeare Company.

Hill est notre homme à l’intérieur, un chœur grec à lui seul, et peut-être le véritable personnage d’entrée dans la série. Nous sommes lui. Il est nous. Ou nous pourrions l’être, si le destin en avait décidé autrement. En vérité, nous aurions pu être n’importe lequel d’entre eux. C’est là tout le propos. Comme Hill lui-même nous le dit à la fin du sombre dernier chapitre d’Oz :

« L’histoire est simple : un homme vit en prison et meurt. Comment il meurt, c’est facile. Qui et pourquoi, c’est la partie complexe, la partie humaine, la seule qui vaille la peine d’être connue. »

Les Sopranos

« Les Sopranos », de David Chase, est une série télévisée déjantée sur la mafia qui n’a jamais cessé de repousser les limites du genre. Cette série a été diffusée pendant six saisons et ne m’a jamais déçu. Avec ses acteurs exceptionnels, son scénario incroyable et sa réalisation révolutionnaire, « Les Sopranos » a tout changé dès son lancement.

Tony Soprano, interprété par James Gandolfini, est un parrain de la mafia du New Jersey qui souffre de crises de panique. Diriger une section de La Cosa Nostra n’est pas une mince affaire à la fin des années 90 et au début des années 2000, avec les progrès des enquêtes criminelles et les tentatives du milieu pour s’opposer aux autorités. La série se concentre sur la division des familles vue par Tony et sur la façon dont il concilie sa vie de parrain de ses collègues mafieux et sa vie de père de famille.

Et c’est exactement ce qu’est cette série : le Parrain de la télévision.

Je ne veux pas comparer l’un des plus grands films jamais réalisés à une série originale de HBO, mais il est difficile de ne pas faire le parallèle. La famille Corleone est tout aussi désemparée et dysfonctionnelle que la famille Soprano.

Le casting est tout simplement incroyable. Edie Falco, dans le rôle de Carmela Soprano, est captivante. Je suis happé par ses luttes en tant qu’épouse et mère, ainsi que par le masque qu’elle porte devant ses amis et sa famille. Michael Imperioli incarne Christopher Moltasanti avec précision, s’imprégnant tellement de son personnage que je ressens tout ce qu’il vit : la jalousie, la toxicomanie, et même la perte qu’il ressent lorsqu’il est tenté par la violence. Tous les acteurs sont parfaitement choisis. Ils sont à leur place et semblent réels et vivants.

Chase prend toutes les libertés créatives dès le début et jusqu’à la fin. Les séquences oniriques qui existent uniquement dans l’imagination fiévreuse de Tony, les révélations sur sa vie issues de sa thérapie, les poissons qui parlent, chaque petite fantaisie issue de l’esprit d’un jeune Italien, tout est là, à notre portée. Bien qu’il s’agisse d’une série télévisée incroyablement poignante et brutalement violente, elle dégage une impression de calme.

Les meurtres et les combats à l’écran, les blessures par balle et les étranglements avec des cordes de piano étaient bien présents, mais ils restaient à l’écart de tout le reste. Les deux familles de Tony étaient des familles simples, pas très différentes de la vôtre. Toutes les choses horribles que nous voyons ne sont pas dues à la famille, elles font simplement partie du cadre de la série.

On peut juger ces gens uniquement sur le fait qu’ils sont, selon la loi, des criminels violents, mais David Chase ne les fait pas apparaître ainsi. Il peut terminer un épisode sur un cliffhanger dramatique ou simplement sur une note sympa et relaxante avec un dîner en famille ou un rendez-vous amusant avec l’un de nos couples. C’est cohérent plutôt que discordant. « Les Sopranos » ont jeté les bases de ce que la télévision allait devenir dans les années 2000.

Sans cette série, nous n’aurions pas « Breaking Bad » ou « House of Cards », ni même des séries telles que « Ozark » ou « The Wire ». Cela ressemble davantage à une présentation ou à une rétrospective d’une série HBO qui a fait long feu qu’à une critique, mais je ne peux m’en empêcher. Cette série a marqué plusieurs moments décisifs de l’histoire de la télévision. Ce que Coppola a fait au cinéma avec « Le Parrain », Chase l’a fait avec « Les Soprano ».

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Sur Ecoute

Voici 9 raisons pour lesquelles je considère The Wire comme une des meilleures séries télévisées de tous les temps. N’hésitez pas à poster votre propre nomination pour la raison numéro 10.

1. Aucune autre série télévisée ne se rapproche autant de l’ampleur de son ambition. Comme le dit David Simon, co-créateur et producteur exécutif : « Lorsque nous avons commencé The Wire, notre modèle n’était pas d’autres séries télévisées. Notre référence, c’était le Paris de Balzac, le Londres de Dickens ou le Moscou de Tolstoï. » Au cours de ses quatre saisons, la série n’a jamais dévié de cette ambition et a réussi à la réaliser à la perfection. Cette série est une épopée homérique de l’Amérique moderne.

2. La cohérence de The Wire est tout simplement stupéfiante. The Shield a perdu le fil dans la quatrième saison. Deadwood s’est échoué à mi-chemin de la troisième saison. Même Les Sopranos ont connu des baisses de régime dans les saisons deux et six. The Wire n’a pas faibli un seul instant au cours de quatre saisons aux thèmes vaguement définis qui ont abordé l’absurdité de la guerre contre la drogue, la bureaucratie et la corruption qui gangrènent à la fois les forces de police et les gangs de trafiquants, la lutte des classes contre les syndicats et le système scolaire public dysfonctionnel de la ville.

3. Le casting est parfait. Renonçant aux stars et aux guest stars célèbres, la série mise sur des acteurs inconnus, et s’en porte d’autant mieux. Pour plus de réalisme, bon nombre des personnages de rue ont un casier judiciaire aussi long que le bras, à l’image de Felicia Pearson (Snoop), qui vendait de la drogue à 12 ans et a été emprisonnée à 14 ans.

4. Il faudrait avoir un cœur de pierre pour ne pas se soucier profondément du sort des personnages. On ne se contente pas de prendre le parti de flics imparfaits comme Jimmy McNulty, Bunk Moreland et Thomas Hauk. On s’inquiète tout autant, sinon plus, pour les gamins des rues comme Bodie Broadus et Chris Partlow, ainsi que pour l’entrepreneur sans scrupules Stringer Bell.

5. C’est la meilleure série policière qui n’en soit pas vraiment une. On passe autant de temps avec les junkies, les proxénètes, les meurtriers et les enfants des rues effrayés qu’avec les forces de l’ordre. The Wire est un drame dense et romanesque qui met en scène les deux côtés de la loi, pris dans le tourbillon d’une société entropique, proche du suicide, où la sombre réalité dépasse rapidement l’espoir.

6. L’écriture est immense et ne manque jamais un battement. Les créateurs David Simon et Ed Burns sont parfaitement qualifiés pour dépeindre la vie dans l’une des villes les plus pauvres et les plus violentes des États-Unis, étant respectivement un ancien journaliste spécialisé dans les affaires criminelles et un ancien policier de la brigade criminelle et des stupéfiants. Ils sont habilement secondés par certains des meilleurs auteurs américains de romans policiers, dont Richard Price, George Pelecanos et Dennis Lehane.

7. Comme tous les grands drames, cette série réussit à faire de son lieu de tournage un personnage central. Le Baltimore de The Wire est une ville à l’agonie, qui se bat pour conserver son âme. Jamais jolie, toujours captivante.

8. Elle met en scène Bubbles, le personnage le plus sympathique jamais apparu dans une série télévisée. Interprété de main de maître par le formidable Andre Royo, Bubbles vous brise le cœur à chaque fois qu’il apparaît à l’écran, toujours sur le point de se racheter, se frayant un chemin à travers les rues les plus dangereuses de Baltimore, s’accrochant désespérément à ce qui lui reste de dignité. Je pleure rien qu’en pensant à lui poussant son supermarché ambulant, un chariot rempli de rouleaux de papier toilette bon marché et de t-shirts blancs contrefaits. Plus que tout autre personnage, Bubbles incarne l’humanité qui est au cœur de la série.

9. The Wire est un moyen infaillible de se faire des amis et d’influencer les gens. Recommandez-la avec ferveur à de parfaits inconnus et vous pouvez être sûr qu’ils deviendront vos disciples à vie. Mais ne prêtez surtout pas votre coffret blue-ray. Quiconque vous l’empruntera voudra le garder autant que vous attendrez son retour.

Mad Men

Ma critique de Mad Men

Identités cachées, luttes mortelles pour le pouvoir, infidélité : il y en a pour tous les goûts. Des histoires qui illustrent magnifiquement comment la publicité fonctionne pour nous vendre des fantasmes sur nous-mêmes.

Des personnages qui évoluent et vous surprennent, puis, avec le recul, vous vous rendez compte que tout ce qui leur est arrivé les a transformés en une nouvelle personne qui semble identique, mais avec un regard plus triste. Joan et Peggy, les deux faces d’une même médaille cabossée, une page vivante de #EverydaySexism, qui se frayent un chemin à travers ce paysage de pénis et de coupes de cheveux à leur manière, façonnée par le temps et corsetée.

• Betty, la ménagère mélancolique définie par sa beauté, laissée pour compte par un monde en mutation.
• Sally, qui accepte le glamour grotesque de l’âge adulte.
• Roger, un mélange suave d’esprit, de pouvoir et de mort.
• Pete, l’homme le plus ambitieux du monde.
• Megan, passive, frétillante, sainte.
• Et Don. Le sociopathe le mieux habillé de la télévision. Une pin-up anesthésiée. Un père alcoolique souffrant d’un trouble de l’attachement et d’éclairs de génie créatif. Un menteur. Un menteur sexy. Lorsque vous tapez son nom dans Google, vous trouvez autant d’essais sur la psychologie torturée de son personnage que sur la manière d’utiliser ses citations inspirantes dans le domaine commercial. Ce qui n’est pas rien.

Beaucoup a été écrit sur la signification de Mad Men. Trop, peut-être. Mais c’est davantage ce que cette série vous fait ressentir que ce qu’elle vous apprend qui mérite qu’on s’y attarde. La façon dont vous êtes à la fois séduit et dégoûté par la somptueuse extravagance de cette version filtrée des années 1960, les couleurs saturées et la façon dont les gens boivent.

La façon dont vous développez des relations complexes avec les personnages, au point qu’ils envahissent vos rêves comme des ex. La façon dont vous vous sentez nourri après un épisode, et un peu effrayé, parce que que se passerait-il si les gens découvraient la vérité sur Don, et s’ils ne la découvraient pas ? Et y a-t-il un espoir pour Joan ? Ou Sally ? Ou « les femmes au travail », et les rapports sexuels violents, et la guerre, et qui vous êtes ? Et puis, bien sûr, le générique défile et vous voilà en pyjama 50 ans plus tard, et tout va bien parce que ce n’est que de la télévision.

Better Call Saul

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Lorsque l’accord a été annoncé pour une série dérivée de « Breaking Bad » d’AMC, basée sur l’un des personnages secondaires de la série, l’avocat véreux Saul Goodman (Bob Odenkirk), même les fans les plus inconditionnels ne savaient pas trop quoi penser. À l’époque, la série dramatique de Vince Gilligan sur un professeur de sciences devenu roi de la méthamphétamine en était à sa dernière saison et enchaînait les épisodes brillants à un rythme effréné. Les médias, moi y compris, se sont laissés emporter par l’euphorie.

« Better Call Saul », la suite, a beaucoup à offrir, en particulier aux fans de la série originale. Odenkirk, avec sa voix rauque et son look de surfeur sur le déclin, reste un personnage attachant, même lorsqu’il fait le mal. Nous découvrons l’histoire des personnages réguliers de « Breaking Bad », notamment le gangster Tuco Salamanca (Raymond Cruz) et l’ancien policier Mike Ehrmantraut, interprété par Jonathan Banks. Comme son prédécesseur, « Better Call Saul » est empreint d’un humour caustique : la série regorge de répliques mémorables et aborde des thèmes prometteurs sur la frontière floue entre légalité et illégalité. La série a été très appréciée pour sa cinématographie, qui reprend délibérément le cadrage d’un roman graphique illustré par Edward Hopper, avec ses boîtes suburbaines jaune-vert et ses salles de réunion claustrophobes, ainsi que des lieux excentriques, comme un cabinet d’avocats niché dans un salon de manucure, et des flashs surréalistes, comme une tarentule rampant sur une cravate. Et pourtant, après neuf épisodes, « Better Call Saul » ne répond jamais vraiment à la question : regarderiez-vous cette série si vous n’étiez pas fan de « Breaking Bad » ?

Une série n’a pas besoin d’être parfaite pour exercer un puissant attrait sur les téléspectateurs qui veulent simplement passer du temps dans l’univers qu’elle évoque. (J’ai regardé tous les épisodes de « Nashville »). Mais la télévision fait aujourd’hui l’objet d’un tri sélectif. Alors qu’il était autrefois possible de rattraper toutes les séries ambitieuses (à l’âge d’or de l’efficacité télévisuelle, lorsqu’il n’y en avait que 6), ce n’est plus le cas aujourd’hui. Joe Adalian, qui a analysé les statistiques du magazine new-yorkais Vulture, a écrit que le nombre de nouvelles émissions scénarisées diffusées en prime time sur le câble avait « doublé au cours des cinq dernières années, triplé depuis 2007 (année de la première diffusion de Mad Men) et augmenté de 683 % depuis le début du siècle ». Quand les gens m’envoient des tweets furieux pour me dire qu’une série est la meilleure à la télévision, je sais qu’ils mentent : ils n’ont pas vu la plupart des autres, et moi non plus.

Dans ces conditions, la question de savoir où investir son attention devient plus compliquée, et jusqu’à présent, « Better Call Saul » n’apporte pas de réponse claire, même si elle regorge d’énergie potentielle. Au centre de la série se trouve le portrait d’un personnage, l’histoire de James (Jimmy) McGill (Odenkirk), un avocat louche qui se bat pour trouver des clients parmi la clientèle moins aisée d’Albuquerque. Jeune homme, Jimmy était un petit escroc qui arnaquait des ivrognes dans les ruelles et décevait son frère aîné, Chuck (Michael McKean), un avocat influent. Aujourd’hui, il veut essayer d’utiliser ses talents de baratineur pour faire le bien plutôt que le mal. (Ou, à défaut, pour maintenir le statu quo.) Comme Breaking Bad, cette série raconte la métamorphose d’un loser : mais alors que Walt était un intellectuel arrogant, Jimmy est humble. Il est gentil avec son ancienne copine, Kim (Rhea Seehorn) ; il est tendre avec Chuck, qui est mis à l’écart à cause d’une prétendue allergie à l’électricité. Mais nous savons où Jimmy finit : un jour, il deviendra Saul Goodman, ce type rusé qui vous aide quand vous voulez tuer quelqu’un, cacher vos gains provenant de la vente de méthamphétamine ou traquer une cigarette contenant de la ricine. Jimmy est un type plutôt correct, mais il est destiné à devenir le faire-valoir d’un homme bien pire, « le genre d’avocat que les coupables engagent », comme le décrit de manière cinglante un client potentiel.

Il y a là le germe d’une idée drôle et méchante : être avocat et être escroc ne sont en réalité pas des métiers si différents. Le futur Saul Goodman est un avocat doué, mais seulement dans le sens où Harold Hill dans « The Music Man » était un brillant professeur de musique et Don Draper le plus grand séducteur du monde. Il n’est pas louche, c’est juste son personnage. Dans l’un des meilleurs épisodes du début de la série, il veut essayer de doubler deux escrocs idiots, des skateurs roux qui simulent des accidents pour arnaquer les conducteurs. Le plan de Jimmy n’est pas très prometteur : il veut « sauver » une criminelle riche pour qu’elle lui soit reconnaissante et l’engage, mais même ce plan bancale tourne plus mal que prévu. Finalement, Jimmy se retrouve dans le désert, face à Tuco et ses voyous, dans une scène qui ne peut que rappeler « Breaking Bad » aux téléspectateurs. (Il y a un plan de profil qui rend hommage à l’un des meilleurs épisodes de cette série, « Ozymandias »). Ce qui commence comme une confrontation effrayante se transforme en une négociation hilarante et grossière, Jimmy négociant progressivement la peine de mort, amenant Tuco à envisager différentes options, allant du « col colombien » à un œil au beurre noir. « Ils ont manqué de respect à ma grand-mère », argue Tuco. « Ils l’ont traitée de «bécasse» ». En parlant sans arrêt, Jimmy convainc Tuco d’envisager de couper les jambes des skateurs, puis simplement de les casser, et enfin de ne casser qu’une seule jambe. « Je suis le meilleur avocat qui soit ! », s’exclame-t-il ensuite à l’hôpital.