Top Gun : Maverick est un film dans lequel une grande star de cinéma incarne un homme qui roule à moto, pose derrière des drapeaux américains et dit des choses comme :
« Montre-moi de quoi tu es capable. »
Il utilise la force de sa grande détermination, et un peu de travail d’équipe, pour surmonter tous les défis auxquels il est confronté. Mais malgré son énorme succès, c’est aussi un film qui semble complètement déplacé en 2022. C’est une loi peu connue de l’univers: partout où l’on discute de Top Gun Maverick, on trouve à proximité l’expression « ils n’en font plus des comme ça ».
Mais quand les gens disent cela, que veulent-ils dire exactement ? Ils ne font pas référence au fait que Tom Cruise et le reste du casting ont piloté leurs propres avions. Honnêtement, cela n’a jamais été le cas. Ils ne l’ont même pas fait pour le Top Gun original. Tom Cruise lui-même a fait beaucoup de cascades folles ces dernières années.
Si nous voulons comprendre ce que Maverick a et qu’ils ne font plus, nous devons d’abord nous demander comment ils les font maintenant.
À une époque où l’inquiétude culturelle face à l’état du monde s’intensifie sur de nombreux fronts, de nombreux artistes semblent se tourner vers l’introspection pour examiner la validité de l’art qu’ils aiment et des moyens d’expression qu’ils utilisent. Ne vous inquiétez pas, parfois, le simple fait de les divertir est ce qui me permet d’éviter l’inévitable.
Trop de références dans le monde du cinéma
Les films ont pris une tournure de plus en plus autoréférentielle. La valeur de l’art cinématographique et des institutions nécessaires à sa réalisation est remise en question par ceux qui l’aiment le plus. C’est le rêve que vous poursuivez, celui qui vous mène au sommet de la montagne. Tous les regards sont tournés vers vous. C’est un rêve dont je ne me réveille jamais.
Mais au milieu de cette introspection, les films veulent toujours être des films. Ils ne se contentent pas de déconstruire la valeur de l’art ou du cinéma, ils sont pris dans un conflit avec eux-mêmes. Ils contiennent à la fois une autocritique déconstructive et une sincérité sentimentale.
Rien qu’en 2022, nous avons vu Nope, qui critique le spectacle tout en essayant d’en être un, et The Banshees of Inisherin, qui dialogue avec lui-même sur la valeur de l’art. Nous avons vu Steven Spielberg revenir sur sa propre vie et ses fables (The Fablemans), et examiner le rôle que le cinéma a joué dans celle-ci, pour le meilleur et pour le pire, à travers le cinéma.
Babylon, de Damian Chazelle, a examiné les excès de l’industrie cinématographique et la façon dont elle a aliéné les gens, tout en célébrant les raisons pour lesquelles le cinéma peut être si passionnant grâce au cinéma. Puis nous avons tout vu, partout à la fois, ce qui ressemble à l’aboutissement de quelque chose de nouveau. Le film explose en un tourbillon chaotique de styles et de références cinématographiques, déclarant que tout est dénué de sens au milieu de ce chaos, puis y trouvant quand même un sens.
Mais je ne pense pas qu’il s’agisse uniquement de ces drames conscients d’eux-mêmes ou de films sur la réalisation cinématographique, j’ai senti un changement dans la façon dont les films sont perçus dans l’ensemble.
Le changement dont les films sont perçus
Il y a très peu de récits et de films simples désormais.
- Les films font soit partie d’une franchise multidimensionnelle,
- soit ils sont satiriques, surréalistes ou absurdes.
Ils peuvent contenir un multivers ou des rebondissements sur un trope classique, briser les conventions narratives, ou une combinaison de toutes ces choses. Certains de ces éléments existent depuis longtemps dans les films. Il y a toujours eu des films sur la réalisation de films ou sur l’art, mais je pense que récemment, ces éléments sont passés d’une nouveauté occasionnelle à la norme.
Avec cela, il y a un changement de ton distinct que nous pouvons identifier et décrire, qui fait partie d’un changement culturel plus large. C’est l’ère métallique moderne du cinéma. Ce qui donne vraiment à Top Gun un côté rétro, c’est son absence totale d’ironie, de conscience de soi ou de doute.
- Il n’y a pas de subversion des clichés bien établis.
- Il n’y a pas de rebondissement majeur où l’on découvre que Maverick est en fait le méchant.
- Ce n’est pas une histoire d’anti-héros. C’est la suite d’un autre film bien connu, mais c’est une suite à peu près la plus simple qu’on puisse imaginer. Il n’y a pas de spin-off ni de multivers ici. Top Gun Maverick est une perle rare de nos jours. Je pense que c’est ce que l’on pourrait appeler un film moderniste.
Le modernisme est quelque chose que l’on ne fait plus aujourd’hui. L’évolution du cinéma peut être décrite comme un passage du modernisme au postmodernisme, puis du postmodernisme au métamodernisme que nous connaissons aujourd’hui. Pour vraiment comprendre cette évolution et ce à quoi ressemble le métamodernisme dans le cinéma, nous devons d’abord comprendre de manière générale le modernisme et le postmodernisme dans le cinéma.
Le modernisme, le postmodernisme et le métamodernisme
Le métamodernisme réagit à ces deux courants et les intègre tous les deux en lui-même. Les trois « grands ismes » dont nous parlons ici sont difficiles à cerner. Les philosophes, tous les critiques et les critiques des médias ne s’accordent pas sur ce qu’ils sont exactement et sur la meilleure façon de les décrire.
Certaines personnes considèrent le modernisme, le postmodernisme et le métamodernisme comme des domaines de pensée, de philosophie ou même des mouvements artistiques. Certains universitaires les qualifient de structures du sentiment, et c’est dans ce sens que je vais les utiliser dans cet article.
Une structure du sentiment est essentiellement une ambiance culturelle qui englobe la philosophie, la politique, le design et, surtout pour cette vidéo, l’art. Dans le cas du modernisme, nous donnons un nom à une ambiance spécifique à l’échelle de la culture qui commence à apparaître dans la philosophie avec Descartes, dès les années 1600, puis se poursuit jusqu’à Nietzsche, mais qui apparaît réellement dans la culture et l’art des années 1900 aux années 1940.
Le cinéma lui-même est un média moderniste
La technologie a commencé à émerger au moment où le modernisme a envahi la culture. De la même manière que la science et la raison semblaient offrir une vision plus objective de la réalité que la tradition, la photographie semble offrir une image plus objective du monde que la peinture.
En un sens, le cinéma, avec ses 24 images par seconde, présentait les images les plus étonnamment réelles et immersives qui aient jamais été créées. Je pense que, de cette manière, la forme du cinéma s’alignait idéologiquement sur les philosophies modernistes qui promouvaient cette idée d’une vision objective de la réalité.
Je pense que le modernisme est l’état par défaut du cinéma, mais nous pouvons être un peu plus précis que cela. Il existe des films qui semblent modernistes, non seulement en raison de leur structure narrative traditionnelle ou de leur réalisation, mais aussi parce qu’ils promeuvent spécifiquement les philosophies ou les valeurs modernistes.
Revenir à Top Gun Maverick va nous aider à comprendre le modernisme
La sincérité du film et sa structure narrative traditionnelle contribuent largement à me donner l’impression qu’il est moderniste. Mais je pense qu’un autre élément important de son modernisme est la façon dont il affiche des valeurs spécifiques, puis semble sans complexe défendre ces valeurs comme étant bonnes et bénéfiques.
Aujourd’hui plus que jamais, le succès dépend de l’homme ou de la femme dans la boîte. Maverick incarne les valeurs américaines d’individualisme, de liberté et de détermination à faire ce que personne d’autre n’est prêt à faire. En incarnant ces valeurs, associées à ses talents supérieurs de pilote de jet, Maverick parvient à atteindre ses objectifs et à vaincre les méchants, mais pas avant d’avoir appris que les autres peuvent parfois aussi lui venir en aide.
Le train sifflera trois fois, Titre original : High Noon, 1952
Dans le film Le train sifflera 3 fois de 1952, le marshal américain Will Kane vient de se marier et s’apprête à rendre son badge et à quitter la ville lorsqu’il apprend qu’un hors-la-loi qu’il veut faire emprisonner, Frank Miller, a été libéré et qu’il va arriver par le train à midi pour se venger en tuant Kane pour sa nouvelle femme, qui est une pacifiste quaker. La solution est simple, il suffit de quitter la ville. Mais Kane a le sens des responsabilités et du devoir envers sa fonction, car il n’y a pas encore de nouveau marshal pour le remplacer, et il estime que rester est la décision la plus intelligente qu’il puisse prendre.
Le film est bien mis en scène et bien tourné. Il est assez tendu. Il y a beaucoup de nuances, c’est un western classique. Mais dans les grandes lignes, à travers la force de sa détermination à prendre position alors que personne d’autre ne le fait, on retrouve cet individualisme américain. Grâce à son dévouement à l’honneur et à ses talents supérieurs de tireur, Kane parvient à vaincre le méchant, mais pas avant d’avoir appris que les autres peuvent parfois aussi apporter leur aide. C’est un excellent exemple, je pense, car il montre comment le modernisme répond lui-même aux valeurs traditionnelles.
Le modernisme examine les gouvernements, l’art et la religion traditionnels et affirme que beaucoup de ces éléments semblent imparfaits. Pourquoi n’êtes-vous pas à l’église ? La religion traditionnelle est présentée comme n’ayant pas vraiment de réponse au dilemme moral auquel Kane est confronté. Le bien et le mal semblent assez clairs. Le sentiment que Kane prend la bonne décision dans le film repose sur une évaluation démocratique des différents points de vue. Il y a des divergences d’opinion, laissez chacun s’exprimer. Mais en fin de compte, c’est le raisonnement de Kane lui-même.
Le film n’est pas seulement moderniste dans ses valeurs, il l’est aussi d’une autre manière, dans sa structure narrative. Ce qui est vraiment surprenant quand on regarde un film comme celui-ci 70 ans plus tard, ce n’est pas seulement son plaidoyer sans complexe et sincère en faveur de l’honneur, du devoir et de la capacité à bien tirer. C’est qu’il n’y a pratiquement pas de rebondissements. Il se contente de mettre en place son histoire, puis le gentil gagne et le méchant perd. Pour les spectateurs qui ont grandi avec les médias postmodernes et modernes, cela va sembler étrangement simple.
Je tiens à clarifier deux choses. Premièrement, je ne pense pas que tous les films du début du cinéma soient modernistes. Je pense qu’il y avait même des films postmodernes à cette époque, même si le langage pour les décrire n’existait pas encore. Deuxièmement, je ne pense pas que ces cinéastes se soient intentionnellement engagés dans le modernisme ou aient essayé de créer des histoires modernistes, ils existaient simplement dans une culture largement moderniste et ces valeurs et idées modernistes transparaissaient donc dans les types d’histoires qu’ils racontaient. Ce qu’il faut retenir ici, c’est que cette structure narrative traditionnelle générale, la défense de valeurs spécifiques et un sentiment généralement optimiste, a dominé le cinéma pendant un certain temps et c’est en grande partie au modernisme que le postmodernisme cinématographique répond.
Le postmodernisme et le cinéma
Pour comprendre à quoi ressemblent le postmodernisme et le cinéma, examinons No Country for Old Men, l’un de mes films postmodernistes préférés, qui déconstruit le western et constitue une excellente comparaison avec High Noon.
Dans ce western de Neil, le méchant aux motivations simples et animé par la rancune a disparu, remplacé par un personnage imposant et sans but, qui semble n’avoir aucune moralité au-delà des caprices arbitraires du destin. Dans High Noon, il y a ce personnage, l’ancien marshal, plus âgé, qui a précédé Kane.
Alors que High Noon écarte ce personnage au profit du sens moral moderniste de Kane, dans No Country for Old Men, c’est cette perspective blasée qui occupe le devant de la scène sous les traits du shérif. La confiance, l’assurance et les convictions inébranlables de Kane sur le bien et le mal sont remplacées par un shérif qui fait son travail, mais déplore l’état des choses en se demandant s’il veut faire partie du monde qui l’entoure.
Llewelyn et les autres protagonistes clés, quant à eux, ne sont pas des héros, ils ne sont pas motivés par l’honneur ou le devoir, ils essaient simplement de s’enfuir avec un sac d’argent qu’ils ont trouvé par hasard. Il ne s’agit pas ici d’une déconstruction du cow-boy. Je ne vais pas dévoiler l’intrigue du film, mais disons simplement qu’il ne se termine pas comme dans High Noon, où tout se déroule comme si l’issue de l’intrigue avait été décidée par un tirage au sort.
Si High Noon affirme que les gentils gagneront parce qu’ils ont de l’honneur, du devoir et de la détermination, No Country for Old Men est un peu plus nihiliste.
Le postmodernisme dans le cinéma est apparu lorsque la remise en question des valeurs modernistes est devenue la norme dans la culture au sens large, à mesure que le XXe siècle avançait et que les guerres mondiales laissaient place à la possibilité d’une destruction nucléaire dans la guerre du Vietnam, et que la décolonisation et les droits civiques permettaient aux voix auparavant privées de pouvoir de s’exprimer sur les torts qui leur avaient été causés. Tout un mode de vie, tout un système de pensée.
Beaucoup de gens ont commencé à se demander si les valeurs modernistes étaient réellement bonnes et amélioraient vraiment la vie de tous. C’est là qu’intervient le postmodernisme qui, au lieu de revenir aux récits traditionnels, commence à remettre en question la valeur même du récit. Le postmodernisme affirme que l’idée selon laquelle nous pouvons parvenir à une compréhension de la vérité objective à l’aide de la science et de la raison est elle-même un récit, à l’instar des récits traditionnels que le modernisme a rejetés.
Le postmodernisme s’intéresse à des phénomènes tels que la montée du fascisme au XXe siècle et cherche à comprendre comment les récits qui l’entourent ont contribué à en faire une force maléfique puissante au XXe siècle. Dans les grandes lignes, le postmodernisme critique le modernisme en critiquant le récit lui-même, affirmant que nous devrions peut-être nous méfier de tout récit global qui prétend expliquer le monde.
On pourrait aussi citer l’excellent Impitoyable de Clint Eastwood. Comme nous l’avons expliqué dans notre critique, Impitoyable est une parodie des westerns modernistes, pointant du doigt leur naïveté.
Lorsque l’on commence à remettre en question la valeur du récit lui-même dans ce qui est essentiellement une forme narrative, les choses commencent naturellement à devenir un peu étranges. À mesure que nous approchons de la fin du XXe siècle dans l’histoire du cinéma, nous voyons apparaître de plus en plus de films qui ne se contentent pas de remettre en question et de déconstruire les valeurs modernistes, mais qui commencent également à déconstruire la manière dont les histoires sont racontées dans les films.
Ce scepticisme postmoderne à l’égard du récit commence à se manifester dans la déconstruction du cinéma moderniste, dont beaucoup attirent l’attention sur l’acte de raconter des histoires. Le temps devient fragmenté dans des films comme Pulp Fiction, les quatrièmes murs sont brisés, les histoires deviennent plus conscientes d’elles-mêmes.
La narration sincère cède la place à l’ironie, au pastiche, au surréalisme et à l’autoréflexivité, les conventions du genre sont déconstruites. Si les films modernistes cherchaient à créer une illusion de réalité afin que vous, le spectateur, puissiez suspendre votre incrédulité et vous plonger pleinement dans le film, certains films postmodernistes cherchaient à rappeler au spectateur qu’il était un spectateur, que tout ce qu’il voyait était une histoire, que les histoires étaient construites et que le réalisateur et les acteurs étaient ceux qui contrôlaient le récit.
Je pense qu’un autre excellent exemple de film postmoderniste est Monty Python : Sacré Graal !, où tout n’est qu’une grande blague. À la fin, même le film lui-même est traité comme une grande blague. L’histoire n’est jamais résolue, car pourquoi la prendre au sérieux ? Pourquoi prendre quoi que ce soit au sérieux ? Les personnages ne sont pas réels, le lieu n’est pas réel. Ce n’est même pas réel.
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Je pense que le postmodernisme, en particulier dans les formes narratives, finit par faire son temps
On ne peut déconstruire les choses que pendant un certain temps avant que tout ne se transforme en chaos.
On ne peut subvertir les attentes qu’un certain nombre de fois avant que tout commence à devenir un peu lassant. L’ironie et le cynisme sont difficiles à maintenir, ils finissent par lasser. Si le postmodernisme peut formuler des critiques très valables à l’encontre du modernisme, en montrant comment celui-ci a créé toute une série de problèmes au XXe siècle, le postmodernisme lui-même n’a rien fait pour vraiment résoudre ces problèmes, ni pour prévenir ou résoudre tous les nouveaux problèmes auxquels nous sommes confrontés au XXIe siècle.
Alors que nos craintes d’une polarisation accrue, du capitalisme tardif et du changement climatique s’ajoutent aux craintes préexistantes du XXe siècle, telles que l’anéantissement nucléaire qui n’a jamais vraiment disparu, je pense que les gens commencent à aspirer à nouveau à un optimisme moderniste, à l’idée que nous pouvons peut-être trouver un moyen de résoudre certains de ces problèmes et d’améliorer les choses.
La déconstruction postmoderne peut être utile pendant un certain temps, mais elle peut aussi vous rendre cynique, vous détruisant tout et vous rendant incapable de vous engager sincèrement dans quoi que ce soit.
Les gens veulent du sens
Déconstruire toutes les façons dont nous trouvons un sens au récit ne supprime pas soudainement notre désir de sens ni ne fait disparaître le réconfort qu’il nous apporte.
- Les gens veulent toujours aller voir un film.
- Les gens veulent toujours raconter des histoires et écouter des histoires.
- Qu’y a-t-il après le postmodernisme ?
En 2022, avec un film comme Everything Everywhere All at Once, de nombreux éléments du postmodernisme sont toujours présents. Le film est un pastiche sans fin à la culture pop et au cinéma, tout comme l’était le film postmoderne Pulp Fiction. Everything Everywhere joue constamment sur les clichés du genre et possède une absurdité qui rivalise avec un film comme Monty Python : Sacré Graal !, tout en s’appuyant fortement sur une déconstruction postmoderne anihiliste de la philosophie moderniste, comme on le voit dans un film comme No Country for Old Men.
Mais contrairement aux films postmodernes, Everything Everywhere All at Once contient une description sincère des sentiments que la plupart des films postmodernes n’ont jamais. Il exploite également un optimisme et une sincérité émotionnelle qui rivalisent avec ceux de films modernistes tels que High Noon ou Top Gun : Maverick.
Le métamodernisme
Le métamodernisme en général peut être considéré comme une réponse au postmodernisme. Il s’appuie sur le postmodernisme. Il ne s’agit pas seulement d’une opposition au postmodernisme.
Dans Everything Everywhere All at Once, le nihilisme est un thème important. Mais s’il s’agissait simplement d’un film postmoderne, cela s’arrêterait là. Au lieu de cela, dans l’une des scènes culminantes, Evelyn, la mère, et sa fille se réconcilient en acceptant le nihilisme. La vie n’a pas de sens, et donc elle a tout son sens, au lieu de simplement dire que la vie n’a pas de sens. C’est une mise à jour métamoderne d’une idée postmoderne.
L’une des façons dont les médias métamodernes réagissent au postmodernisme et au modernisme est d’osciller sauvagement entre la sincérité moderniste et la déconstruction postmoderne. C’est ce que beaucoup de commentateurs métamodernes appellent l’oscillation.
Le modernisme ne se résume pas à cela, mais c’est l’un des moyens les plus simples de l’identifier. Concrètement, cela signifie que de nombreux films métamodernes utilisent ou contiennent encore les techniques du cinéma postmoderne. Les éléments méta-conscients dans les films que j’ai mis en avant au début de cette vidéo en sont un exemple. Cette méta-conscience est ce que les universitaires et les critiques médiatiques appellent souvent l’autoréflexivité. Cette autoréflexivité était à l’origine utilisée par de nombreux films postmodernes, mais elle est toujours utilisée par les films métamodernes.
Dans le postmodernisme, cette méta-conscience de soi est généralement utilisée pour attirer l’attention sur les limites, la structure, les frontières ou la subjectivité de l’œuvre elle-même.
Il y a beaucoup d’inquiétudes concernant ce qui se passe dans le monde, ce que nous voyons chaque jour dans les actualités, et il y a peut-être un sentiment que nous devrions faire quelque chose à ce sujet. Si vous participez à la création d’un projet artistique de plusieurs millions de dollars destiné au divertissement, vous vous demandez peut-être si vous ne devriez pas faire quelque chose de mieux de votre temps.
Cette gêne s’étend également au spectateur. L’autoréflexivité postmoderne attire l’attention du spectateur sur le fait que ce qu’il voit peut sembler très convaincant, mais qu’il s’agit en fin de compte d’une œuvre imparfaite et subjective.
Quelle est la différence entre l’autoréflexivité postmoderne et la méta-modernité ?
Le métamodernisme n’est autre que le postmodernisme, mais en plus optimiste et moins cynique. Le film des frères Coen, Fargo, sorti en 1996, s’ouvre sur ce texte.
« Ceci est une histoire vraie. Les événements décrits dans ce film se sont déroulés dans le Minnesota en 1987. À la demande des survivants, les noms ont été changés. Par respect pour les morts, le reste a été raconté exactement tel qu’il s’est produit… »
Sauf que les frères Coen ont finalement admis que rien dans cette histoire n’était vrai. Joe Coen a déclaré dans une interview que la seule chose vraie à propos de cette histoire, c’est qu’il s’agit d’une histoire. Pour moi, il s’agit d’un procédé narratif postmoderne, qui déconstruit la manière dont les films narratifs prétendent s’inspirer d’histoires vraies, et qui joue en quelque sorte sur ce trope pour nous inciter à considérer le fait que même les films qui prétendent s’inspirer d’histoires vraies sont souvent en grande partie une invention.
Comparez maintenant cela à la déclaration d’ouverture de la récente série de Donald Glover, Swarm. Toute similitude avec des personnes réelles, vivantes ou décédées, ou avec des événements réels est intentionnelle. Pour moi, il s’agit d’une variante métamoderne du même dispositif narratif. Cela revient à dire : oui, c’est une fiction, mais dans cette fiction, il y a une part de vérité. Le métamodernisme a commencé à émerger dans les années 90 et a vraiment pris forme dans le cinéma au cours des années 2000.
L’une des premières figures clés du cinéma est Wes Anderson, qui montre vraiment comment les références pastiches et les dispositifs de cadrage métanarratifs peuvent être utilisés de manière métamoderniste. Wes utilise tous ces éléments pour attirer l’attention sur l’acte de raconter des histoires, mais pas pour déconstruire l’histoire. Au contraire, il s’en sert pour se délecter de la valeur des histoires elles-mêmes, en utilisant ces histoires comme un moyen de communiquer des émotions sincères.
Nous pouvons voir comment certains réalisateurs qui ont commencé par faire des œuvres très postmodernes, comme Tarantino, sont devenus plus métamodernes. Si Pulp Fiction a subverti les attentes du public en déconstruisant la fin hollywoodienne de Once Upon a Time in Hollywood, je pense que l’un des meilleurs exemples récents de métamodernisme et de cinéma subvertit les attentes en déconstruisant une histoire vraie pour nous offrir une fin hollywoodienne.
Nous commençons à voir le métamodernisme partout dans le cinéma et la télévision aujourd’hui, non seulement dans les médias qui sont explicitement conscients d’eux-mêmes ou autoréférentiels, mais aussi dans les séries qui déconstruisent les genres, comme Succession, Atlanta, Barry, Beef, et même dans les émissions de téléréalité comme Jury Duty, qui ont toutes su trouver un équilibre parfait entre comédie et détachement d’une part, et sentiments sincères, profonds et dramatiques d’autre part.
Vous vous demandez peut-être pourquoi la culture et l’art se sont tournés vers le métamodernisme en réaction au postmodernisme, au lieu de simplement revenir au modernisme ou à la tradition. Il y a bien quelques tentatives de retour à ces derniers, comme dans Top Gun Maverick, mais je pense qu’il s’agit là d’exceptions plutôt que de la norme. D’un point de vue artistique, on ne peut pas si facilement effacer l’impact du postmodernisme sur ce qui est aujourd’hui considéré comme une façon normale et divertissante de raconter une histoire.
De nombreux éléments postmodernes de la narration sont en eux-mêmes assez amusants. Mais cet art postmoderne ne laissait souvent pas beaucoup de place à la signification personnelle. Lorsque vous vous lancez dans des formes métamodernes, y compris le cinéma, vous ne pouvez pas simplement revenir en arrière et oublier tout cela, sinon les spectateurs penseront que vous ne comprenez pas. Les spectateurs penseront que vous êtes ringard ou kitsch. Les œuvres métamodernes ont la capacité d’intégrer tous les jeux postmodernes amusants, mais d’une manière qui préserve un sentiment d’intériorité, d’intériorité personnelle ou ce que j’appelle souvent l’expérience ressentie.
Il ne s’agit pas seulement d’une réponse au postmodernisme. C’est aussi une réponse à ce que l’on pourrait appeler l’hypermodernisme. Il y a d’abord la modernité, puis vient le postmodernisme. La modernité ne cesse pas simplement d’exister. Elle se poursuit comme un fil conducteur qui est aujourd’hui encore ce que nous appellerions l’hypermodernité.
L’hypermodernité
C’est toute la métaphore des réalités multiples. Je pense que c’est une métaphore de la façon dont la vie dans le monde réel nous donne souvent l’impression d’être dans des réalités multiples, avec le rythme effréné des changements, des revirements narratifs, des changements de points de vue, et le fait d’être capable de prendre conscience des points de vue de personnes du monde entier et de personnes qui ont des opinions politiques diamétralement opposées aux vôtres, tout cela nous assaille et nous oblige à faire face à une situation qui menace de détruire notre identité.
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Aujourd’hui, nous créons de l’art qui ne se contente pas de protéger l’individu contre d’autres formes d’art, mais nous créons de l’art qui protège le sentiment d’identité contre le monde dans lequel nous vivons à chaque instant, au fur et à mesure que nous menons notre vie.
Quelle que soit la modernité, elle s’est poursuivie et, dans un certain sens, intensifiée. Il y a des gens qui essaient de déconstruire ces choses. Ils continuent dans cette autre trajectoire, mais ils ne se contredisent pas nécessairement. Personne ne gagne sur le plan culturel. Toutes les choses traditionnelles sont toujours là. Le droit est toujours là aussi. Nous avons toujours les choses traditionnelles que nous aimons. Le monde hypermoderne est un monde où, grâce à Internet et aux réseaux sociaux, nous sommes constamment inondés de récits traditionnels, modernistes et postmodernistes à la fois.
Le citoyen numérique a une perspective du monde qui n’était pas possible auparavant. Je pense que le métamodernisme est une tentative de donner un sens à cette nouvelle perspective. Il s’agit de choisir les éléments positifs de chacune de ces anciennes philosophies et de reconnaître le multivers qui existe autour de nous, tout en essayant de rester ancré dans la réalité de ce qui est vraiment significatif devant nous.
Contrairement à No Country for Old Men, qui déconstruit le genre western, Everything, Everywhere All at Once ne déconstruit pas un genre, il transcende les genres. Il comprend que dans le monde hypermoderne, le genre n’est pas une case dans laquelle il faut s’inscrire ou que l’on doit déconstruire. Aujourd’hui, ce n’est qu’un outil parmi d’autres dans la boîte à outils du conteur.
Nous pouvons vraiment voir comment cela se passe dans les séquences western de Once Upon a Time in Hollywood, lorsque Tarantino présente le tournage d’un western dans le style d’un western. Si No Country for Old Men déconstruit les conventions du genre western que l’on trouve dans High Noon, Once Upon a Time in Hollywood déconstruit et attire simultanément notre attention sur ces conventions tout en renforçant leur valeur intrinsèque et en les utilisant pour divertir le spectateur.
Quelle que soit la nature du modernisme, nous sommes toujours en plein dedans. Il est encore en train d’émerger et d’être défini. Il existe une interview de Daniel Kwan, l’un des deux Daniel qui ont créé Everything, Everywhere All at Once, dans laquelle le journaliste qui l’interviewe tente de le décrire comme postmoderne. Daniel Kwan la corrige gentiment et dit :
« Eh bien, ce n’est pas tant post-moderne. Je dirais plutôt méta-moderne. »
Il explique ce qu’il entend par là. Il dit en substance que leurs références sont là pour dire que c’est en fait le monde dans lequel nous vivons tous, comme dans nos vies. Nous vivons aujourd’hui dans un monde où nous sommes submergés de récits provenant de partout et nous ressentons à travers ces récits tout et partout à la fois. Cela apporte un sentiment de connexion. Le métamodernisme en soi n’est ni bon ni mauvais. Ce n’est pas un style ou une technique, ni même quelque chose que les artistes devraient nécessairement essayer d’appliquer consciemment à leur travail. C’est simplement le reflet des changements dans les attitudes, les sentiments et la philosophie culturels qui, selon moi, commencent naturellement à apparaître dans nos récits.
Certaines œuvres métamodernistes me semblent trop préoccupées par leurs propres doutes. Parfois, les conteurs devraient simplement raconter leur histoire et cesser de se demander si la narration a un sens ultime. Il n’est pas nécessaire d’être conscient du métamodernisme en tant que tendance pour pouvoir apprécier et profiter de tout tel quel, et c’est ce que les gens devraient faire. C’est principalement ce que j’espère qu’ils feront.
Le métamodernisme nous ramène à l’appréciation de la narration pour elle-même, parce que c’est quelque chose que nous apprécions. Si le postmodernisme brise le quatrième mur pour vous sortir de l’histoire, le métamodernisme brise le quatrième mur pour ouvrir l’histoire et vous y inviter, parce que nous aimons les bonnes histoires.